整个西方艺术史可以分为文艺复兴前及文艺复兴以后两大时间。文艺复兴以前，全球的艺术基本上是百花争艳，不同区域呈现出不同的艺术形态。而文艺复兴以后，基本上就是集中在欧洲为主导的区域，随着时间序列产生着不同艺术风格的变化。这篇文章主要聊一下文艺复兴以后的艺术历史。
众所周知文艺复兴始于意大利。意大利成为文艺复兴的中心主要有三个历史原因，第一，当时的亚平宁半岛是东西方贸易的枢纽，由于土耳其奥斯曼帝国控制了原先的丝绸之路，一切运往西欧的物资，都得通过意大利如威尼斯这些港口枢纽做中转。第二，意大利除了教皇国外的其他地区都属于那个时候的神圣罗马帝国，但是该国其实既不“神圣”，也不“罗马”，更非“帝国”，对意大利的掌控是很弱的，所以意大利区域的很多城市都实现了共和自制，充满了活力。第三，基于前两点，资本主义在这些区域新兴发展，经济起飞也推动了艺术的复兴。如果从区域上来说的话，前期的文艺复兴主要集中于托斯卡纳地区和威尼斯。托斯卡纳包括了佛罗伦萨、比萨和锡耶纳这些重镇。
其实最早期的文艺复兴苗头于13世纪就出现了。尼古拉皮萨诺是一个代表，他曾经在比萨讲经堂的浮雕中一改中世纪刻板造型,展现出非常贴切真实人体的作品，让浮雕的对象有了现实世界的生命力。不过，与其说尼古拉披萨诺是开始注重回归希腊罗马等真实实体的文艺复兴的第一人，不如说当时他来自于意大利的南部和西西里岛，这些区域在当时神圣罗马帝国皇帝的直接管辖下，皇帝希望借古希腊，古罗马文化加强他所掌控的区域与其他地方诸侯的区别性。
所以，文艺复兴的真正先驱，应该是乔托，他是与但丁生活在同一时代。师从当时也是非常著名的画家契马布埃。很有意思的是这两位师徒当时都画过一副《宝座上的圣母》这一圣经题材的画作，但契马布埃画的宝座上的圣母，虽然已经对中世纪的艺术有了突破，但依然还是遵循中世纪绘画的格调，包括镂金线条、圣母头顶的金色光环，且整个圣母都是裹得严严实实。但乔托就打破了这一束缚，作品中的圣母以及圣子完全就是真人的写实，并且圣母只穿着一件非常轻薄的衣服，隐约体现出了真正女性的身材。耶稣也不在是高高在上的神的形象，而是展现出孩童的稚嫩特点。。乔托在帕多瓦教堂的几幅壁画也证实了并不因为圣经的人物而加重了其浮夸神圣的艺术表现形式，包括《最终的审判》，《耶稣进入耶路撒冷》《哀悼耶稣》，这些壁画都反映了真实的人体构造和真实的人物形象。同时乔托的构图也从一人主体的平板结构发展到灵活巧妙的模式，《哀悼耶稣》中他会在一字排开的人物中，还放置两个背对着观众的修女，其完全没有脸庞，这一体系形式之前在中世纪是从来没有的，后续还被锡耶纳画派的马丁尼等人巧妙运用。
乔托之后，文艺复兴艺术浪潮真正开始了。整个十六世纪以后的艺术风格都可以说是从有到优的过程，但文艺复兴是真正从无到有，从0到1的过程。从0到1的伟业的奠基人如果从建筑、绘画、雕刻和浮雕4个领域罗列的话，分别是布鲁内莱斯基，马萨乔，多纳泰诺和吉尔贝蒂。布鲁内莱斯基是文艺复兴的大家，我们最爱的佛罗伦萨大教堂就是出自于他手。佛罗伦萨大教堂“世纪工程”，在当时这个大教堂工程就像登月计划那样。并且集结了各位大家的毕生贡献。前面提到的尼古拉披萨诺有个徒弟狄堪比奥为大教堂设计了图纸，乔托设计了钟楼，就缺一个举世瞩目的圆顶。当时人们普遍向往的罗马万神庙圆顶，但已然不可能，因为古罗马圆顶采用的是水泥结构，而水泥这种工艺当时已经失传；而且万神庙的圆顶是规整的半球形，不用鼓座，外观很不显眼，圆顶结构一大半都被外墙遮住，这与当时要求基督教教堂高耸明亮、外观宏伟（哥特式风格）完全相背离，因此在形式上也无法仿效万神庙。所以布鲁内莱斯基异想天开的提出了用“纵肋”加“横肋”的模式，不仅解决需要一个高挑如云的顶的需求，也解决了在如此高度上搭建施工木架的困难（后面还想单独写一篇建筑的文章聊聊这些不可思议的结构）。不仅建造了与世无双的佛罗伦萨大教堂的圆顶，布鲁内莱斯基也是第一个真正发现了科学透视法的人，他通过一个小孔和反光的镜子来对比在图画上和实物上的一致性，从而确定透视关系和位置关系，真正找到了透视法的核心原理，这为未来所有文艺复兴艺术家的绘画创造了一个理论的坚实基础。
在绘画领域，承接了乔托的真谛，且灵活运用了布鲁内莱斯基的透视法方法的集大成者便是马萨乔。很可惜马萨乔只活了37岁，否则他在整个文艺复兴的贡献可能会不亚于后来文艺复兴盛期的大家。马萨桥非常的讲究透视关系，并且色彩绚丽，人物真实，结构到位。他的《纳税钱》是一副绝美的文艺复兴作品，百看不腻。《亚当与夏娃被逐出乐园》是文艺复兴以来的通过真实人体裸体形象来反映这一真实的圣经故事的杰作，完全打破了中世纪对于这一题材羞羞掩掩的表达方式，并且其人体的结构和肌肉的描绘都已接近了文艺复兴盛期的写实。同时马萨乔还会有一副非常完美的《三维一体》的壁画，在壁画中将“圣父”，“圣子”和“圣灵”从上至下通过美妙的透视关系结合在一起，体现了画面布局的极高水准。
那在雕刻领域文艺复兴初期的大家是多纳泰罗所属。他所雕刻的圣乔治、大卫以及他的徒弟南尼所雕刻的“四圣人”形体和结构都已经非常的逼真，浓浓地展现着古希腊雕刻的风范。多纳泰罗的雕刻开辟了两大新的领域，一是骑马雕像的雕刻，二是裸体人物的雕刻。随着这个路线，15世纪后期的两位雕刻大师——委罗基奥（达芬奇老师）和波拉尤奥洛《赫拉克勒斯与安泰俄斯的搏斗》都做出了非常精致的作品。
而如果把浮雕算从雕刻领域中拿出来作为第四种艺术形式的话，那吉尔贝蒂在浮雕领域的成就就不得不说了。吉尔贝蒂花了他整整一生的时间，雕刻了两扇青铜门——佛罗伦萨洗礼堂的东门。在门上一共有10幅壁画，讲的都是圣经创世纪的故事，而这些浮雕的壁画，其透视关系到位、布局结构合理、人物形象写实，成为了与佛罗伦萨大教堂比肩的艺术奇迹。回想当时在佛罗伦萨旅游时看着这些艺术珍品，心潮激荡，热血沸腾。
这4位文艺复兴初期的四杰，开创了古典艺术回归的理念和时代。紧随其后出现了一大批优秀的艺术家。比如憎侣画家安杰利科和他的《受胎告知》，非常的细腻，几乎让这一题材成为了每一位画家比作之画；又如安杰利科的徒弟哥佐利，为当时佛罗伦萨的权贵家族美帝奇画了《三王出行》，把美帝奇家族老中青三代画进了三王出行的这样的一个历史宗教故事中；又譬如另一位憎侣画家菲利普里皮，此人很有意思，他和当时的一位修道院的修女产生了爱情，于是私奔了，最后这位修女成为他的妻子也成为了他画中当仁不让的模特，所以他的作品如《基督降生》中的女性形象非常的唯美，这就是他妻子的形象。菲利普里皮有两位高徒，分别是弗朗切斯卡和波蒂切利。弗朗切斯卡的画风健美，而波蒂切利的画风飘逸。他的《春》和《维纳斯的诞生》在乌菲斯美术馆中，就不用多说了，都是万人拥护的名作。
在过渡到文艺复兴盛期三杰之前，其实除了佛罗伦萨之外还有一个画派也值得一提，它就是同在托斯卡纳地区的锡耶纳画派。画派的创始人杜乔其实是乔托的同时代人，当时他的Z字形的结构的绘画，以及对于人物写实关系的拿捏也已经非常到位。同样一副《耶稣进入耶路撒冷》，杜乔的结构比乔托的结构要复杂的多，Z字形弯曲的布局展现了他的绘画风格。而杜乔有一个高徒叫马丁尼，他有两幅名画《受胎告知》和《苦难历程》，都是借鉴了老师和乔托的综合风格所造成的，所以也有着背对观众的人物，并且把三角眼这一透视运用到了极致。锡耶纳画派还有一位对兄弟画家是洛伦采蒂兄弟，安布罗乔洛伦采蒂所画的《美好城市和美好农村》，其实是好政府和坏政府系列中的两幅图，是算是第一次出现在文艺复兴时期的风景画。
1500年，16和15世纪世纪之交的时候，文艺复兴盛期到来了，耳熟能详的达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔代表了整个文艺复兴西方艺术的最高艺术成就。达芬奇一开始在佛罗伦萨学画他的师父委罗齐奥，说过也是一个集大成者，当时波提切利也在维罗齐奥的工作室学过绘画。有意思的是，当委罗齐奥看到了达芬奇的绘画以后，便发誓再也不做绘画而改去做了雕塑。达芬奇在佛罗伦萨成名以后去到了米兰，他在米兰大公的支柱下，一头一尾创造了两副创世杰作，一头是《岩间圣母》，一尾说的是壁画《最后的晚餐》。岩间圣母中圣母的手势是我最喜欢的一个部分，也是达芬奇女性画风的代表，纤细的手指和光环一般照在约翰头顶的姿势形态，展现了一个女性的真实，而又不失神性的庄严。而最后的晚餐就更不用说了，三人一组的结构后续被提香在内的多位著名画家所模仿。但是因为其是一幅壁画，所以当时保存的很差，现在世人所能看到的都是后人的修补版本，非常的可惜。米兰被西欧列强征服后，达芬奇只能告别米兰游历意大利其他城市，在此期间他所绘画的《鲍银鼠的女人》以及《蒙娜丽莎》，这里已经不用花文字过多描述了。在蒙娜丽莎中，达芬奇将将他的艺术特点包括空气透视，烟雾画法展现的淋漓尽致。其实达芬奇还有两幅未完成的草图《三王来拜》和《圣安娜与圣母》，从素描的人物刻画中，就已经能看到精确、到位与优美，也是百看不腻。
达芬奇之后要说的必然就是米开朗基罗，米开朗基罗的老师吉兰达约之前也是一个非常有名的画家，但米开朗基罗更多的是把自己作为一个雕塑家来自诩。他在非常年轻的时候就雕刻出了沈博绝丽，巧夺天工的《圣母哀悼耶稣》，这是所有古典雕塑中我最喜欢的一副了。随后，年轻的米开朗基罗雄心勃勃的接下了教皇陵墓雕塑的订单，可惜这又一个世纪工程最后因为各种原因也就完成了一半。即便从完成一半的结构中也体现出了米开朗基罗的波兰老成。作为主体的《摩西》雕塑，独出机杼，摧陷廓清，足以看出米开朗基罗在雕塑中的功底。同时米开朗基罗还雕塑了闻名中外的《大卫》，本身这尊大卫是放在佛罗伦萨的市政厅门口的，但为了保存真迹，被移入了乌菲斯美术馆，我们看到市政厅门口的其实是一个复制品。但是教皇对于米开朗基罗远不满足于他的雕塑能力，所以在西斯廷厅建成后，教皇命令米开朗基罗去完成整个厅的天花板壁画。米开朗基罗开始是不愿意的，但最后用了整整7年的时间，在自制的脚手架上完成了创世之举——西斯廷教堂的天顶画。那整个壁画所表达的创世纪的宏伟故事，米开朗基罗巧妙的通过画中的虚拟建筑结构，将其分成若干部分。而其中最有名的“上帝创造亚当”这一手指间的似联非联的形态，成为了未来许多画家包括卡拉瓦乔的灵感来源。而各类先知和裸体男女的全身画也成为未来包括鲁本斯在内的著名画家临摹的典范。在完成了西斯廷天顶画的制作后。米开朗基罗又为美帝奇家族的陵墓进行了雕塑，其中他创造的《昼夜》和《晨幕》两对雕塑分别通过男女的形态展现了时间的流逝，这也是雕塑界天人合一的极品。随后创作的捆绑的奴隶和哀叹的奴隶，其成就已经真正达到了当时古希腊雕塑的神韵。可以说，希腊的《断臂维纳斯》和米开朗基罗的《挣扎的奴隶》是一古一今古典雕塑的绝唱。然后最后几年以开朗基罗又被教皇叫回西斯廷厅，完成天顶画下的大型祭坛壁画，那便是《最终的审判》，在《最终的审判》中，米开朗基罗一改地狱的烈火形象，而是通过一些妖魔鬼怪来表现地域的残酷，同时把殉道者圣人的各种死法转化成他们手中的物品，这种写实对于圣经的新的阐述，真的是跳出了常人思维。
在米开朗基罗绘画，西斯廷教堂听天顶壁画时，拉斐尔同时也在教皇的“签字厅”创作，他在签字厅创作的三幅杰作，《雅典学院》《圣礼之争》和《萨尔帕斯山》，展现出了他逼近于达芬奇和米开朗基罗的实力。同时拉斐尔还帮助教皇完成了《博尔戈火灾》和《赫里奥多罗丝被驱赶》两幅杰作，以至于这两个画所在的厅堂就以画的名字命名为了火灾厅和赫里奥多罗斯厅。拉斐尔的圣母画应该是所有艺术家中画的最唯美，我最喜欢三幅是《草地上的圣母》，《玫瑰圣母》以及《抱耶稣的圣母》。同时才华横溢拉斐尔还是一个肖像化的高手，他被教皇以及社会人士所画的肖像画逼真中有能展现出一定的内心情绪特点，也开创了整个的拉斐尔学派。
文艺复兴托斯卡纳地区和罗马这三位文艺复兴大家集体创作的同时，还有一个中心就是威尼斯。威尼斯因为其区位优势以及在之前多次十字军东征后的财务积累，也有着非常强烈的文艺复兴气息。整个威尼斯的文艺复兴还需要从曼特利亚说起，他是一位非常博学的画家，他借鉴和引入了文艺复兴初期布鲁内莱斯基的透视法。很有意思的是曼特利亚的女婿乔瓦尼贝里尼也是一位画家，他用鲜艳对比的色彩在《圣方济格的猜想》和《圣母与圣徒》这两幅画中奠定了威尼斯画派鲜艳明亮的基调。而贝里尼的两位高徒，乔内乔尔和提香经常在一起合作作画。和马萨桥一样，乔内乔尔太短命了（是不是名字中有乔的艺术家都很短命，后者还有个卡拉瓦乔，也没活长），所以留下提香成为了一个集大成者，他的画数量之多、范围之广从古至今已无艺术家可以企及。提香从最有名的一幅画还是《世俗之爱和高尚之爱》，一位裸体一位穿衣女子，谁是世俗、谁是高尚，带来了非常有趣的话题，纷纷引来了艺术史研究大师的分析和猜测。提香的维纳斯也是一类非常著名的题材，通过对于女性luo体的精确把控，奠定了未来学院派的艺术基线之一。提香后期所画的一些画像，如《耶稣带荆冠》，都已经有了抽象艺术和浪漫主义风格的痕迹，这也是他在积累了丰富的人生阅历之后，对艺术创作形式的一种改变。提香还有两位高徒分别是丁托列托和委内罗塞。他们都擅长创作非常巨幅的绘画，丁托列托的《发现圣马可遗体》到以及《最后的晚餐》已经有了光影运用的前瞻，同时他《最后的晚餐》的斜线结构和达芬奇《最终的晚餐》的平行结构也形成了鲜明的对比。委内罗赛的《加纳的婚礼》和《威尼斯的胜利》巨幅壁画，也展现了其非常深厚的艺术功底，那以后很少有人能驾驭如此巨大的画幅作品。
很可惜的是，至此十六世纪中叶，整个文艺复兴在意大利却戛然而止，戛然而止是因为意大利受到了侵略，而大航海时代新航路的发现也让意大利失去了贸易枢纽的位置，沿海的法兰德斯地区及法国慢慢崛起。同时，那时的艺术家和画家自己也一致认为，如何学习模仿和努力都无法超越达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。所以在此之后文艺复兴走上了两条新的道路，一条称之为风格主义，比如布隆基诺和画了《长颈圣母》的帕尔米贾尼诺。而另一条路则是改变创新了文艺复兴的艺术理论和样式，虽然依然还是以写实为主，但是构图和表现方式变得更为灵动、曲线和多元，于是产生了巴洛克主义。巴洛克主义和文艺复兴绘画最大的区别在于前者讲究的是动态，后者讲究的是庄严的静态；前者注重的是渲染与色块，而后者注重的是线条；前者注重的是延伸和景深而后者讲的是平面；前者避免清晰，而后者追求清晰与准确。
这里其实可以看到不同艺术风格的伟大辩证关系。从小的循环来看，文艺复兴，14世纪以后整个的画风以写静态实注重于志。而在巴洛克时代却越来越注重于动态。到了19世纪的时候，新古典主义的兴起又开始注重于线条与理性的表达，但随后出现的浪漫主义又是注重于色块与心情的表达，但随后又是现实主义和印象主义这一对矛盾，最后到了20世纪的抽象主义，风格在文、质之中不断的变化中。如果我们把时间拉到远古至今来看大的循环也是同样，旧石器时代的艺术是写实为主的，而新时期时代的艺术确实我以抽象为主，那到了古希腊古罗马又是以写实为主具象为主，但到了中世纪确实以抽象为主，那到了文艺复兴巴洛克等等时代它是以写实为主，那到了20世纪初，各个新的画派却变成了抽象为主，这是大的艺术风格的循环，古往今来都如此，螺旋进步。
说到巴洛克主义，先得从巴洛克的建筑说起。当时米开朗基罗负责设计的圣彼得大教堂。经过了多人的接手，传到了马尔代诺手中，反宗教改革的基督教教会希望教堂设计回到传统的长方形巴西利卡结构，而不是米开朗基罗当时定下的十字型结构。但是马尔代诺最终在内部还是保持住了米开朗基罗的十字空间，虽然外部看上去是个长方形。马尔代诺去世后伟大的建筑家贝尼尼接手成为圣彼得大教堂的首席建筑家，负责内部装饰和青铜华盖的建设。尤其是青铜华盖的螺旋柱（而非希腊的古典柱式）体现了极强的巴洛克特点。这个教堂距离布拉曼特为他开工典礼已经有120年之久。同时贝尼尼也是个非常伟大的雕刻家，他所雕刻的《阿波罗和戴夫尼》以及《特雷莎的沉迷》，看着也让观赏者沉迷。还有贝尼尼动态的《大卫》雕塑，与米开朗基罗的大卫一静一动，以后再无第三的雕刻作品可以与之比拟。除此之外，还有一位值得一提的巴洛克的建筑家叫博罗米尼，他所建造的四喷泉教堂的门面以及内部的穹顶设计，完全体现了和文艺复兴不同的巴洛克风格，只不过当时他的艺术理念无人承认，导致了这一伟大的艺术家最终的自杀抱不平。
从绘画来讲，巴洛克艺术的意大利大家还属“双卡”，分别是卡拉奇和卡拉瓦乔。卡拉奇，他也像米开朗基罗的西斯廷天定那样绘画了另一个与世闻名天顶壁画——法尔内赛宫——相当于德国的凡尔赛宫。他把整个法尔内塞的大厅顶部分成了不同的四类绘画主题，各具特点，非常出彩。同时他也是风景画的擅长者，他所画的《逃离埃及》是一幅非常美丽又庄重的风景画，但是，当时的风景画一定要加上圣经人物和故事才能被认可，所以他加入了玛丽亚带着耶稣逃亡埃及的人物主线。
比起卡拉奇来说，卡拉瓦乔就要动荡的多。他一生斗殴杀人无数，最终被流放至西西里和马耳他，我喜欢上他也是因为在马耳他教堂看到了他的绘画。他所创造的艺术成为了后人其他区域发展艺术的启蒙。我总结卡拉瓦乔艺术的4个特点，第一，同性恋的倾向，所以他的很多男性人物描写都是没有胡子的，比如说《音乐家》，《被吸引咬的男孩》；第二，他是光影的大师，后期鲁本斯、伦布朗荷兰画派的光影都是起于他手，他的“四大光影杰作”也是值得反复耐看的作品；第三，卡拉瓦乔因为他的火爆性格惹事不断，所以一生流浪，去过马耳他，去过那不勒斯，留下了不少名画。第四，卡拉瓦乔走向了更为现实的现实主义。和文艺复兴时对女对圣母的唯美刻画不同，他所刻画的《圣母永眠》中的圣母，外表非常难看，据说是一个被溺死的妓女做的模特。同时意大利的巴洛克代表，还有桂多雷尼和桂尔奇诺，他们所化的《曙光女神》两幅画，在天顶看来都非常的宏大。而意大利还有两副非常伟大的天顶绘画，分别是圣耶稣堂的天顶画以及圣依纳爵教堂的天顶画，去罗马一定不能错过这两个教堂，看着这两幅画，会让你真正理解天堂为何神圣。